A Kansas „Carry On Wayward Son” című dala nem csupán egy progresszív rock klasszikus, hanem egy zenekar túlélésének és felemelkedésének szimbóluma is. Ez a dal, amely majdnem lemaradt a „Leftoverture” című albumról, a zenekar legkelendőbb lemezévé tette az albumot, és nemzetközi sztárság felé repítette őket. De mi teszi ezt a dalt annyira különlegessé és időtállóvá?
Egy figyelemfelkeltő bevezető: a rendhagyó kezdet
Mit tegyünk, ha a dal, amelyen dolgozunk, hosszú, kissé elnyújtott instrumentális intróval rendelkezik, de mégis magunkhoz akarjuk láncolni a hallgatót? A „Carry On Wayward Son” a cappella vokális nyitánya azonnal megragadja a figyelmet, és nagyon jellegzetes bevezetőt ad a számnak. A hangok csodálatosan egybeolvadnak, ahogy mindig is tették. A Kansas mindig is kiválóan harmonizált, és egy erős, figyelemfelkeltő dallammal az intrónak pontosan a kívánt hatása volt. Mindenki abbahagyta, amit csinált, elhallgatott, és figyelt. Ez a rádióban is a javukra vált, ahol a lemezlovasok gyakran úgy érezték, nem beszélhetnek rá. Mivel mindenki figyelt, a zenekar készen állt arra, hogy elindítsa az intró hátralévő részét alkotó instrumentális szakaszokat.
Az intró önmagában négy különböző zenei részből áll: az a cappella kórus, a kezdeti gitárriff kiegészítő billentyűzet-aláfestéssel, egy gitárszóló szakasz, és egy stop-start riff szakasz, amely végül elhalkul, helyet adva az első versnek. Egy ilyen kidolgozott intró szinte hallatlan volt olyasmihez, ami rádiós játszást próbált elérni, és remélhetőleg slágerlistás kislemez lett volna. Nem annyira a hossza volt a lényeg, hanem az, hogy mennyire „elfoglalt” volt. Sok minden történt benne, és meglehetősen progresszív és kemény volt. Azt mondják, hogy a nagyközönség figyelme korlátozott, és nem szabad kifárasztani őket. Másrészt az intró puszta léptéke önmagában is lenyűgöző és izgalmas. Egy zenekart mutat, amely tele van ötletekkel és alig várja, hogy megmutassa zenei erejét. Nagyon akartak egy slágert, de a saját feltételeik szerint. Ahogy az intró utolsó része elhalkul, egy magányos hang emelkedik fel. Az első vers elkezdődik. A dal heves kezdete után az első vers viszonylag csendesnek hangzik, mivel a legtöbb hangszer elhalkult. Ezen a ponton belép a dob és a basszus, majd útközben további hangszerek is csatlakoznak.
A „Leftoverture” és a zenekar megmentése
A „Carry On Wayward Son” a Kansas negyedik albumának, a „Leftoverture”-nek az első száma, és az első kislemeze erről az albumról. Ez maradt a zenekar legkelendőbb albuma, az Egyesült Államokban ötszörös platina minősítést ért el. A „Leftoverture” album nemcsak a Kansas nemzetközi sztárságát segítette elő, hanem meg is mentette a zenekart. Korábbi lemezeik egyike sem volt nagy eladó, és a harmadik album, a „Masque” (1975) még kereskedelmi kudarcnak is számított, bár körülbelül 200 000 példányt adtak el belőle. A lemezcég egyszerűen nagyobb reményeket fűzött hozzájuk, és úgy érezte, hogy a zenekar egy olyan progresszív rock stílusban játszik, amely akadályozza őket abban, hogy komoly rádiós játszást kapjanak.
A Kansas Don Kirshner azonos nevű kiadójához szerződött, és bár Kirshner személyesen élvezte a zenekar zenéjét és hitt bennük, üzletembernek kellett lennie, és tudatta a zenekarral, hogy a következő lemez az utolsó esélyük: slágerlemezt kell készíteniük, különben a kiadó ejti őket. A helyzettel túlterhelve és elkeseredve a zenekar visszatért szülővárosába, Topekába, Kansasba, hogy pihenjenek és elkezdjék írni a következő albumot. Bár ez a helyzet keménynek tűnhet, ez volt valójában a zenekar negyedik esélye. A zenekar már több albumot is kapott a fejlődésre - olyan esélyt, amit manapság kevés zenekar kap meg.
Írói blokk és a kreatív áttörés
Azonnal nem is kezdődött jól. Steve Walsh énekes és billentyűs írói blokktól szenvedett, ami hátráltatta dalszerzői hozzájárulásait. „Én a Leftoverture-t ‘nyomás albumának’ nevezem” - mondja Livgren a „Miracles Out of Nowhere” című dokumentumfilmben. „A nyomás rám hárult! Nem feltétlenül a zenekarra. Pedig kellett volna, de rám hárult, mert Steve kiapadt mint író. Eljöttem az első próbára, és azt mondtam: ’Hé Steve, mid van?’ ’Nincs semmim.’ ’Mi van? Nincsenek dalok, nekem meg van… kettő? Mit fogunk csinálni?’ Így hát hazamentem aznap este, miután megtanultuk azt a két dalt, és meg kellett írnom a harmadik dalt.” Ez lett az album dalainak kidolgozási módja. Livgren minden este új dalokat írt otthon, és elhozta őket a zenekarnak próbálni. A „Miracles Out of Nowhere” dokumentumfilmben Phil Ehart dobos elárulja, hogy a zenekar nagyon le volt nyűgözve szinte mindentől, amit Livgren kitalált az albumhoz: „Ott ültünk a Leftoverture idején, és látni, ahogy minden nap bejött, olyan izgalmas volt. Csak annyit mondtunk: ’Ez fantasztikus lesz! Jön Kerry, mit hozott ma?’ Mondhatta volna: ’Csak ez a dalom van, amit The Wallnak neveztem el.’ Mi meg csak azt mondtuk: ’Wow’.” A zenekar végül elegendő dalt dolgozott ki az albumhoz. Jó dalok voltak - sőt, nagyszerűek -, és a dalok nagyon jól begyakorlottak lettek. Itt volt az ideje, hogy összepakoljanak és elinduljanak a felvételi stúdióba. Ekkor csapott le a villám. Ismét.
A majdnem kimaradt remekmű: a „Carry On Wayward Son” születése
Az addigra megírt és begyakorolt album ekkor még nem tartalmazta a „Carry On Wayward Son”-t. A szám az album utolsó pillanatban történt kiegészítése volt, és majdnem kimaradt. Livgren a dalt közvetlenül azelőtt írta, hogy stúdióba vonultak volna az album felvételéhez. „Begyűjtöttük a Leftoverture-t” - mondja Ehart. „Minden dalt elkészítettünk. Csomagoltuk a felszerelésünket. Emlékszem, éppen szétszedtem a dobfelszerelésemet.” Livgren mosolyogva emlékszik vissza, hogy „Az utolsó próba napja előtti éjszaka hazamentem, és megírtam a Carry On Wayward Son című dalt. Leültem egy gitárral, és kijött belőlem! Egy hang vezetett a következőhöz. Egyszerűen varázslatos érzése volt.” Ekkor a zenekar a meglévő dalokat csiszolta, nem hozott be újakat. Amikor Kerry azt mondta nekik: „Van még egy dalom, amit talán meg akartok hallgatni”, valószínűleg a kíváncsiság és az eddigi alkotásai iránti csodálat keveréke késztette őket arra, hogy szánjanak időt a meghallgatására. Lehullott az álluk, amikor elkezdte játszani a „Carry On Wayward Son”-t. Azt a dalt magukkal kellett vinniük a stúdióba, mivel a próbaféléjük lemerült. Jeff Glixman producer jól emlékszik rá: „Lementünk a stúdióba, és Kerry bemutatta azt a dalt. És varázslatos volt!” Phil Ehart még mindig elképesztőnek hangzik, hogy ez a dal felbukkant.
Don Kirshner izgatottan várta, hogy a zenekar képes lesz-e egy potenciális slágerdalt előállítani. Amikor a dal elkészült a stúdióban, Glixman és a zenekar úgy döntött, felhívják őt. „Így hát felhívtam Don Kirshnert, felcsavartam a hangerőt a telefonon, lejátszottam neki a dal elejét, és már hallottam is, ahogy a telefonon beszél. ’Imádom!’”
Személyes küzdelmek és spirituális utazás a dalszövegben
2011 végén Livgren egy rövid otthoni interjúban kijelentette, hogy a dalszöveg részben róla szólt, és azokról a küzdelmekről és nyomásokról, amelyekkel akkor szembesült, amikor a zenekar karrierje a tét volt. A zongora közjáték és a kísérő vers kifejezi, mennyire boldoggá tette a zenekar sikere, valamint mennyire szomorú és félelmetes volt számára, hogy talán vége lehet („I was soaring ever higher, but I flew too high”). A refrén azonban reményt fejez ki, hogy minden rendbe jön, és egyszerűen csak tovább kell mennie („Carry on, my wayward son. No matter what you believe in, a refrénben található téma, miszerint a végén „béke” lesz, megfelelő lezárása bármilyen életútról szóló leírásnak.
Livgren 1980-ban evangélikus keresztény lett, ami után gyakran foglalkozott vallásos témákkal dalaiban. Sokan hasonlóan értelmezték a „Carry On Wayward Son”-t emiatt, de Livgren szerint a dalt nem kifejezetten vallásos tartalom kifejezésére írták. A dallal kapcsolatban elmondta: „Mély késztetést éreztem, hogy ’továbbmenjek’ és folytassam a keresést. Magamat láttam, mint a ’tévelygő fiút’, elidegenedve a végső valóságtól, mégis arra törekedve, hogy megismerjem azt vagy őt. A pozitív hangvétel a végén (’Surely heaven waits for you’) furcsának és korainak tűnt, de kényszerítve éreztem magam, hogy belefoglaljam a dalszövegbe.” Érdekes módon úgy tűnik, van egy kapcsolat a Kansas előző albuma, a „Masque” utolsó dala és a „Carry On Wayward Son” között, amely a következőt indítja. A vers a zaj fölé emelkedésről szól. Ahogy a Cambridge szótár meghatározza, a „din” egy hangos, kellemetlen, zavaros zaj, amely hosszú ideig tart.
Egy korszak ikonikus dala
A „Leftoverture” album 1976. október 21-én jelent meg. A „Carry On Wayward Son” kislemez sikerének köszönhetően, amely közel egy hónappal később, 1976. november 19-én jelent meg, az amerikai Billboard lista 5. helyére került, miközben a kislemez lett a zenekar első Top 40-es amerikai slágere (éppen csak lemaradva a Top 10-ről, a 11. helyen tetőzve). Ez bőven elég volt ahhoz, hogy a dal megkapaszkodjon és elkezdjék játszani a rádióban, ami azóta is így van. Gyakran tartják korszaka egyik legnagyobb rockdalának.
Mennyire megváltoztak a dolgok, az csak akkor vált nyilvánvalóvá a zenekar számára, amikor újra turnézni indultak. Hozzá voltak szokva, hogy ők a felvezető zenekar, vagy talán mérsékelt méretű klubokban játszanak bizonyos piacokon. Ha mást nem is, a tengerentúlon a „Carry On Wayward Son”-t, illetve a „Dust In The Wind”-et egészen biztosan mindenki ismeri, és remélhetőleg még Magyarországon is akad pár ember, akinek nem ismeretlen a fent említett két szerzemény.
A Kansas, a nevét adó állam Topeka városából származó zenekar valamiképp egyedi volt abban, hogy zenéje a két stílus, az AOR és a progresszív zene dallamos, mégis dúdolható desztillációja volt. 1976-ra, három jól fogadott albummal a nevük alatt, a hatfős csoport a nagy siker küszöbén állt. És mégis valahogy úgy érezték, mintha a falak bezárulnának. „Frusztráló időszak volt” - mondta Kerry Livgren gitáros és fő dalszerző a Classic Rocknak 2004-ben. „Miután szinte az összes lehetséges zenekar előzenekara voltunk, annyira ’forró portékává’ váltunk, hogy senki sem akart már velünk játszani. Mick Fleetwood például később elmondta nekem, hogy a Fleetwood Mac meghalt minden alkalommal, amikor mi játszottunk először. Nehéz volt minket követni.”
Akkoriban még „albumzenekarként” ismerték őket, ami hiányzott a Kansasnak, az egy olyan kislemez volt, ami rádiós játszást kapott volna. Ahogy a zenekar negyedik albuma, a „Leftoverture” készült, Don Kirshnertől (az entertainment impreszáriótól, aki kockáztatott, amikor leszerződtette a Kansas-t, amikor senki más nem tette volna) érkezett a hír, hogy növekvő hírnevük ellenére ez lesz a zenekar utolsó dobása. „Akkoriban az albumok körülbelül hetven százalékát én írtam, a többit Steve Walsh (énekes) adta hozzá. És az első próbán Steve odajött hozzám, és azt mondta, hogy nincs semmije - egyetlen dal sem” - emlékszik vissza Livgren hitetlenkedve és kuncogva. „Nem élvezem az ilyen nyomást, de utólag visszatekintve tényleg a legjobb hozta ki belőlem.”
Minden este Livgren írt egy dalt, és másnap reggel begyakorolta azt a Topeka-i bevásárlóközpontban, amelyet a zenekar és producerük, Jeff Glixman használt. Hét dalt, köztük az „Magnum Opus” című hatrészes eposzt, amely végül lezárta a lemezt, kidolgoztak, mielőtt a csoport egy távoli louisianai mocsár közepére költözött volna felvenni őket. „Bahoztam egy dalt, amit az utolsó pillanatban írtam, és azt mondtam: ’Srácok, talán meg kellene hallgatnotok ezt’” - mondja Livgren. „Csomagoltuk a cuccainkat, amikor Kerry besétált a last-minute kiegészítésével” - emlékszik Phil Ehart dobos. „Egy ilyen nagyon-nagyon különleges dalhoz képest alig került fel a lemezre.” „Amikor meghallották, mindenki felkapta a fejét” - teszi hozzá Livgren, nyilvánvalóan büszkén. „És természetesen mindent megváltoztatott a Kansas számára.” Az ellenállhatatlan a cappella kórussal kezdődő, és egy felkavaró gitármotívumra épülő, Robby Steinhardt táncoló hegedűjével, ami ezúttal háttérbe szorult, Livgren last-minute dala, a „Carry On Wayward Son” a komplexitás és a dallam házassága volt, ami több szempontból is választ adott a csoport imáira. Ez lett az a sláger, amire annyira vágytak. „Attól a naptól kezdve, bárhol voltunk, bekapcsoltuk a rádiót, és hallottuk magunkat” - nevet Livgren.
A csoport erős vallásos meggyőződésével összhangban a gitáros még mindig azt gyanítja, hogy a dal jelentésében egy felülről érkező segítség is szerepet játszhatott. „Ez egy önéletrajzi dal” - magyarázza. „Zenei karrieremmel párhuzamosan mindig is spirituális utazáson voltam, keresve az igazságot és a jelentést. Ez egy önbiztató dal volt. Azt mondtam magamnak, hogy folytassam a keresést, és meg fogom találni, amit keresek.”
A siker árnyoldalai és a dal öröksége
A zenekar korai lelkesedésének megfelelően a „Carry On Wayward Son” a 11. helyen tetőzött az Egyesült Államokban, segítve az anyaalbum, a „Leftoverture” Billboard Hot 100-as lista 5. helyére kerülését. Mint általában, egy sláger nyilvánvaló szerencséje végül negatív hatást gyakorolt a zenekarra. A színfalak mögött azonban növekedett a féltékenység egyes zenekartagok között. „Amikor a (slágerek) írói hirtelen nagyon nagy csekkeket kapnak, az animozitást szül” - ismerte be később Rich Williams gitáros. „Néhányunknak nehéz volt ez a helyzet. Bizonyos emberek azt is elkezdték mondani: ’Nem akarok annyit dolgozni, vagy annyit utazni.’ Én azt mondtam: ’Ez azért van, mert megvan a tiétek. Hadd szerezzem meg én is a magamét.’ A pénz mindent megváltoztat.”
Livgren, aki a csoport megalakulása óta ki-be járt a zenekarból, és velük volt jóban-rosszban, látszólag véglegesen elhagyta a Kansas-t, miután megírta, producelte és szerepelt a 2000-es „Somewhere To Elsewhere” című albumukon. 2009-ben stroke-ot kapott, de azóta kellőképpen felépült ahhoz, hogy különböző projekteken dolgozzon. Állva tapsolták, amikor közel másfél évvel később csatlakozott a Kansashez a színpadon.
Öt évtizeddel később a „Carry On Wayward Son” még híresebbé vált, mint az a zenekar, amely felvette, jelentése szinte elveszett a mindennapokban. 1995-ben ez volt a második legtöbbet játszott szám az amerikai klasszikus rock rádióban, 1997-ben pedig a lista élére került, és az utolsó számlálás szerint, miután megjelent TV-s vígjátékokban és filmekben, mint a „South Park” és az „Anchorman: The Legend Of Ron Burgundy”, több mint kétmillió letöltést jegyzett a digitális korszakban. „Számomra az (ilyen alacsony színvonalú produkciókba való) bevonása egyáltalán nem megalázó - ez egyfajta megtiszteltetés” - mondja Ehart. „Mindig mindent megvizsgálunk, amikor ilyen típusú kérések érkeznek. Bár komolyan vesszük a zenénket, nem bánjuk, ha egy kicsit viccelődnek velünk. Imádunk nevetni magunkon.”
Még ennyi idő után is a Kansas, Livgren nélkül is élvezi, hogy élőben játssza a névjegyét. „Amikor az a cappella vokális intró elindul, nincs olyan közönség a világon, amely ne őrülne meg” - mondja a dobos a „Carry On Wayward Son”-ról. „Inspiráló a rajongók és számunkra is.”
Az önbizalomhiány pillanataiban Ehart igyekszik elkerülni, hogy azon tűnődjön, mi történt volna a Kansas-szel, ha Livgren nem írja meg a mesterművét - ami majdnem lemaradt a „Leftoverture” albumról. „A Carry On Wayward Son nélkül meg kellett volna várnunk a Dust In The Wind-et - ha addig eljutottunk volna” - mondja. „Eléggé lehetséges, hogy Don Kirshner nem szerződött volna egy ötödik albumra.”
A „Masque” album - a Kansas gyökerei és hatása
A zenekar harmadik - és egyik legjobb - nagylemeze, a „Masque” idén ősszel negyven éve jelent meg. A Kansas gyökerei egészen a ’60-as évek végéig nyúlnak vissza, és egy Kerry Livgren nevű, akkor még pofátlanul fiatal és tehetséges gitáros / billentyűs sráchoz. A topekai születésű dalszerző számtalan formáción és tagcserén keresztül jutott el a középiskola után alapított Saratoga zenekarig, amelyet egyébiránt arról a ceruzáról nevezett el, amellyel az akkori dalait írta. A csapatban ekkor már két alapvető és a későbbiekben is meghatározó Kansas-muzsikus is jelen volt Phil Ehart dobos és Dave Hope basszusgitáros személyében. Ők ketten egy White Clover nevezetű bandából kerültek be a képbe, ahonnan Livgren tanácsára átigazolták az ott billentyűző és éneklő Steve Walshot, a szólógitáros Rich Williamst és azt a Jeff Glixman producert is, aki a későbbiekben olyan neves előadókkal dolgozott együtt, mint a Black Sabbath, Gary Moore, a Magnum és Yngwie Malmsteen. Hope javaslatára aztán felvették a Kansas zenekarnevet, azonban az akkori kiadó bénázásai miatt sokáig nem ment úgy a banda szekere, ahogy kellett volna, így aztán egy év után a dobos és a basszer vissza is tért a White Cloverbe.
Az 1974-ben kiadott, a banda nevét viselő bemutatkozó lemez zenei anyagát egész egyszerűen képtelenség volt figyelmen kívül hagyni: az album olyan példaértékű és minőségi muzsikát rejtett, hogy arra nem csupán a szakma, de a közönség is egyből felkapta a fejét. Rengeteg zenei stílus keveredett itt össze a Yes, a Genesis és az ELP által elindított billentyűorientált progresszív rocktól kezdődően a folkos, boogie-s, könnyen emészthető dallamokon keresztül egészen a jazzes és komolyzenei felhangokig, amelyek kivétel nélkül olyan mesteri dalokban öntöttek formát, hogy arra még negyven év után is simán rácsodálkozik az ember. Steinhardt virtuóz hegedűjátéka, az indián felmenőkkel is büszkélkedő Walsh hihetetlen hangszíne és dallamai, Livgren dallamformálási és kompozíciós képessége vagy Ehart ép ésszel felfoghatatlan ritmusai és játéka mind-mind zsenialitásról tesz tanúbizonyságot.
A nagymértékben Livgren és Walsh által jegyzett, mérsékelten sikeres debüt után végeláthatatlan turnék és újabb mestermű következett a sorban, Song For America címmel, rajta a tíz perc feletti őrületes címadóval, ami szintén negyven éve jelent meg és ugyancsak a Klasszikushockban lenne a helye. Nagy dilemmában voltam, hogy a két mű közül melyikről is írjak bővebben, de aztán végül a kiforrottabb, előrehaladottabb és a korai valamint a későbbi érát tökéletesen egyesítő Masque-ra esett a választás, amelyen már egy oly mértékben összekovácsolódott és egyedi zenekar hallható, hogy ilyenről manapság tényleg csak álmodozni lehet. Hatásaikat pedig nem csak az olyan későbbi progrock zenekarok vállalják fel, mint a Spock's Beard, a Dream Theater, a Vanden Plas vagy éppen Lana Lane, hanem olyanok is, mint Dan Swanö és a - már nem létező - Pantera tagsága is, ahol Dime rendszeresen be is építette a Cowboys From Hell élő verzióiba a Carry On Wayward Son feledhetetlen részleteit.
A „Masque” borítója és a dalok
A borító - Bizonyára nem én voltam az egyetlen, akit már első pillantásra is gondolkodóba ejtett a borítón látható roppant különleges kompozíció. A bizarr, tengeri állatokból megkomponált arckép eredetije jelenleg is a Bécsi Szépművészeti Múzeum legféltettebb kincseit gyarapítja, alkotója pedig nem más, mint az olasz szürrealista festészet egyik legjelentősebb alakja, Giuseppe Arcimboldo, aki szinte kizárólag olyan excentrikus arcképeket festett, amelyeket állatokból, gyümölcsökből, virágokból és könyvekből állított össze. A sokszor meglehetősen groteszk képeket is alkotó művész 1566-ban (!) készült - kétségtelenül progresszív - műve a Water címet viseli a Four Elements sorozatából, amely mondhatni, metaforikusan is összefoglalja a zenekar hasonlóan sokrétű művészetét. A dobos persze utólag is képes volt összetörni az összeesküvés-elméletek rajongóinak illúzióit: „A CBS állt elő az ötlettel, hogy használjuk fel ezt a festményt, miután Kerry előhozakodott a lemezcímmel. A Song For America turnéja és a Masque felvételei közben viszont olyan rohamtempóban dolgoztunk, hogy egyszerűen csak rábólintottunk a CBS tanácsára. Alighanem ez lett a legsötétebb borítónk - beleértve a hátoldalon található koncertfotókat is -, amelyeket csak úgy összedobáltunk az akkori embertelen pörgésünknek köszönhetően. Szabályosan széjjeldolgoztuk a seggünket akkoriban.”
It Takes A Woman's Love (To Make A Man)
Miután a mindenható Don Kirschner kezébe kerültek a fiúk, a producer csalhatatlan szimatával már a korábbi albumoknál is pillanatok alatt kiszagolta a siker lehetőségét és a csapatban rejlő potenciált, aminek persze hangot is adott. A Song For America hosszú és kifejtős szerzeményei után ezért úgy gondolta, hogy a támogatás senkinek sem jár ingyen, és cserébe legalább egyetlen darab jó értelemben vett slágert követelt a fiúktól, amely körülbelül akkora kérés volt egy fiatal, önmagát megvalósító és lázadó zenekartól, mint két nap alatt lebontani a kínai nagy falat. De akármennyire is hihetetlennek tűnt az ötlet, az önfejű Livgrennel ellentétben Walsh végül meggyőzhető volt, és részben eleget is tett a producer elképzelésének. Így született meg a lemezt nyitó, a die-hard fanokat erősen megosztó It Takes A Woman's Love az énekes tollából. Kerry persze ezt sem hagyta szó nélkül: „Nem igazán volt tehetségünk ahhoz, hogy pop-rock slágereket írjunk, és nem is ez volt az elsődleges célkitűzésünk. Soha nem ültem le úgy komponálni, hogy oké, most egy slágert fogok írni… Még ha megparancsolták volna, akkor sem lettem volna képes ilyesmire.” A szóban forgó, abszolút fülbemászó és pozitív töltetű nyitónóta viszont egyáltalán nem lett sikeres, pedig Walsh minden eszköztárát bevetette a cél érdekében. Utólag is érthetetlen, hogy vajon mi lehetett a sikertelenség oka, és ezt a titkot valószínűleg azóta sem fejtette meg senki. Az eddigi, forradalmi cuccokhoz képest szokatlanul vidám nótában pedig minden ott van, amitől pillanatok alatt bele lehet szeretni: a billentyűk egyaránt élettel teli, lüktető boogie-s alapokat szolgáltatnak Steve felhőtlen dallamai alá, a dalszöveg pedig egy olyan örök igazságról és egy olyan, elsőre is könnyen értelmezhető kapcsolatról szól, amiben a nő és a férfi tökéletesen kiegészíti/hiányolja egymást. Arról nem is beszélve, hogy az akkori viszonylatokhoz képest is baromi ütősen dörren meg, amely még negyven év távlatából is fület gyönyörködtetően csilingel. Aki igazi vintage hangszerelést akar hallani, ne is keressen tovább. A dal végén még szaxofonnal is fokozzák a hangulatot, aztán amikor Ehart gyilkos ütemei felgyorsítják a bulit, végleg elszabadul az őrület.
Two Cents Worth
A másodiknak érkező, pesszimista és cinikus hangvételű dal az előző tökéletes ellentéte, ugyanis itt Hope masszív, lépegetős basszus-alapozásával bontakoztatnak ki egy egyértelműnek még véletlenül sem nevezhető blues-nótát. A felületes hallgató azt hinné, hogy a zenekar itt átmegy elcsépelt blues-kesergőbe, azonban a Kansas még abban a stílusban is tudott újat mutatni, amelyben már gyakorlatilag a '70-es években is eljátszottak mindent. Livgren és Walsh sziporkázó ötleteinek köszönhetően annyira ügyesen variálgatják a hagyományos pentaton skálákat, hogy az egyébként faék egyszerűségű szám cseppet sem fullad unalomba.
Icarus (Borne On Wings Of Steel)
Elérkeztünk a zenekar egyik leghatalmasabb dalához, ami egy pillanat alatt a rajongók egyik legnagyobb kedvencévé vált, és itt tényleg szinte minden megtalálható, amivel jellemezni lehet ezt a bandát. Aki pedig éppen most szeretne közelebbről is megismerkedni velük, nyugodtan kezdje itt az alapozást, mert ennél meggyőzőbb belépő után talán nem is érdemes kutatni az életműben. Hagyományos, önálló karakterrel bíró Livgren-szerzeménnyel van dolgunk, akiről ugye azt is tudni kell, hogy megszállottan rajongott a távol-keleti filozófiáért, a spiritizmusért, a mitológiáért és a szimbolikus hagyományokban található alapigazságokért, amelyeket rendre bele is épített összetett és sokféleképpen értelmezhető szerzeményeibe. Ikarosz története is csupán a forma itt, amelybe rengeteg szimbólum vegyül. A repülés/zuhanás témaköre egyébként is kimeríthetetlen forrás, jelen esetben ugyanúgy jelentheti egy minden elképzelhető sikert elért zenekar bukását, mint ahogyan mást is az élet egyéb területein. A dalszövegben sok válasz lelhető fel, és akinek vannak hozzá antennái, meg is fogja hallani ezeket. A hipnotikus elektromos zongorát szabályosan felrobbantó bevezető igencsak meggyőző kezdés, amelyből rögtön ki is derül, hogy nagyon sokrétű és komplex szerzeményt fogunk hallani. Walsh és Steinhardt legtöbbször két szólamban énekelnek, erőteljes hangjuk oly mértékben egészíti ki egymást, hogy egyszerűen nincs szükség semmilyen stúdiótrükkre vagy alázengetett vastag kórusra, amivel még dúsabbá varázsolhatnák az énekdallamokat. Az egészséges arányoknak köszönhetően a Kansanél soha nem okozott problémát élőben is lemezminőségben prezentálni a dalaikat, szemben például a Queennel. Ezzel persze nem szándékozom Mercuryék felejthetetlen élő teljesítményeit kritizálni, de tény: a végletekig kidolgozott, millió sávra rögzített Queen-albumokon hallható muzsikát szinte mindig más formában hallhatta vissza a közönség a koncerteken. És ha már szóba került a Queen, Steve Walsh meglepően sajátosan emlékszik vissza a közös turnékon együtt eltöltött időkre: „A queenes srácok mindannyian fantasztikusak és nagyon kedvesek voltak velünk, kivéve Freddie-t, ő ugyanis igazi seggfej volt… Valójában nem is értettem, mi volt vele a probléma, de sokszor úgy viselkedett, mint egy primadonna, egy díva. És ezt a szó negatív értelmében gondolom, ugyanis olyan hatalmas egóval rendelkezett, hogy azt már egyszerűen képtelenség volt emberi módon kezelni.” A szóban forgó dal tényleg igazi zenei csemege, és minőségben sem marad el a sok tekintetben hasonló zenei közegben alkotó Királynő alapvetéseitől. Eharték hihetetlenül görcsmentesen és megdöbbentő precizítással rázták ki magukból a legkomplexebb témákat is, amelyek az akkori progrock zenekarok nehezen emészthető dalaival szemben sokkalta befogadhatóbbak, ragadósabbak voltak, ráadásul még teltebben, kerekebben és bikábban is dörrentek meg. Steinhardt hegedűszólója, az észveszejtő ritmizálás, a fület gyönyörködtető mini-moog hangszínek, a katarzisba torkolló végkifejlet, és nem utolsósorban az a rátenyerelős Hammond-recsegtetés a játékos középrészben minden vájtfülűt meg kell, hogy győzzenek.
All The World
Walsh és Steinhardt jegyzi a következő, hét perc fölé kúszó, a béke és a szeretet jegyében íródott balladát, amely szintén remekmű, és érdekessége, hogy a hegedűs/énekest is dalszerzőként említik meg. Ez elég ritkán fordul elő a zenekar történetében, lévén Robbynak soha nem volt esélye túlságosan is kibontakozni a két „dudás” mellett, és ebben a tételben is inkább Walsh kompozíciójára lehet ráismerni az egyedi harmóniákból. Ettől függetlenül az énekdallamokat egészségesen megosztják egymás között, és a visszafogott bevezető utáni örömzenélés is nagyban hozzájárul a nagyszerűségéhez. A '70-es évek retro-atmoszféráját szintén zseniálisan prezentálják ebben a vintage hangszerelésű számban. Amikor az orgonákat és a hegedűt megszólaltatják, szinte automatikusan belevasalódik az él a hirtelen trapézgatyaszárba szökkent nadrágomba. Phil és Robby hatalmasat virtuózkodik hangszerén a tengernyi moog-hangszínt felvonultató, berobbanó középrészben, ahol a többdimenziós megszólalásnak köszönhetően folyamatosan fenn is tartják a hallgató figyelmét. A nóta levezetőjében pedig már úgy tűnik, mintha egy musicalt hallgatnánk az érzelemgazdag, ünnepélyes, emelkedett dallamoknak köszönhetően.
Child Of Innocence
E dalt pedig nyugodtan nevezhetnénk akár a lemez hagyományos rocknótájának is, de ennyire könnyelműen azért nem kategorizálhatjuk be, hiszen ez a fogalom gyakorlatilag nem is létezik a Kansas eszköztárában. Ahogy a bluesos Two Cents Worth esetében sem jelenthetjük ki, hogy színtiszta blues, úgy a Child Of Innocence sem csuklóból kirázott rockdal, annál sokkal több minden történik itt. A kaszás szerepét magára vállaló Steinhardt erőteljes verzéit és a Steve csillaghullást előidéző magasaival kihangsúlyozott ultramelodikus refrént is olyan ötletesen ritmizált, spontán riff kíséri, hogy a hallgató már az első pillanattól sejtheti: itt megint nem fullad unalomba a műsor. A sodró lendületű, a végéhez közeledve egyre pazarabb zenei megoldásokban gazdag dal a koncertek egyik legnagyobb favoritjává vált, amelyet még a lemezen hallhatónál is sokkal energikusabban vezettek elő. A szerző itt is Livgren egyszemélyben, aki természetesen nem volt rest nyilvánosságra hozni a halál és a rémálmok témakörét, amiből persze szintén nagyon sajátos és sötét dalszöveg kerekedett ki: „Ezt a dalt az ártatlan gyermeki léleknek énekli a Halál Angyala, amelyet Robby testesít meg és ez egyértelműen le is szűrhető a kórusból. A blade konkrétan a kaszás pengéjére utal.”
It's You
A komor tematika után Walsh élettel teli és energikus szerzeménye fordítja át a hangulatot valami nagyon pozitív és méteres libabőröket okozó állapotba. A tercelt énekdallamokat szinte folyamatosan kísérő, szikrázó triolás hegedű/hammond motívum pedig egész egyszerűen fenomenális. Elképesztő, hogy milyen lazasággal és könnyedén rázzák ki magukból a tanítanivaló és egyszerűnek tűnő futamokat, amelyek csakis a legnagyobbakra jellemzők. Robbyék pedig ismét leéneklik még az üstökösöket is az égről és itt ragadom meg a pillanatot, hogy Steve Walshot szépen oda is állítom Freddie Mercury mellé. Persze nem úgy, mint frontembert és előadót, hanem „csak” mint olyan énekest, amilyen száz évente csupán egyszer születik. A dalt sajnos a közepénél félbevágták, amelynek okát vélhetően csak a hangmérnökök és a producerek ismerik, de nekem van egy olyan érzésem, hogy a srácok eredetileg még ebből az ő szintjükön pofonegyszerű dalocskából is valami fékezhetetlen, instrumentális betétekkel megtűzdelt monstrumot akartak faragni. A hosszabbra meghagyott demóverziója - a Child Of Innocence-szel egyetemben - egyébként megtalálható az újrakiadáson. A szöveg cseppet butácska és semmitmondó, de a lényegen ez persze semmit sem változtat, hiszen ezekhez a közérthetőbb melódiákhoz nem is igazán illik világmegfejtő tartalom.
Mysteries And Mayhem
Kerry és Steve dala ismét visszakanyarodik az okkult és sötét oldalhoz, amelyben hagyományosan megint csak a méteres rőzsével és szakállal megáldott, társánál zsigeribb és ösztönösebb hanggal megáldott Robby kapta a főszerepet. A szövegben a szerző egy olyan jellegű rémálom különös és megfejthetetlen történéseit festi le, amilyet már szinte min…
A „Carry On Wayward Son” a popkultúrában
Volt egy rádióm még Ohióban, mikor kölyök voltam. Ott volt a pincében ez az öreg masina tele olyan lemezekkel, amiket apám talált valahol. Az egyik dal volt a Carry on Wayward Son, és állandóan ezt hallgattam a suliban. Amikor az „Odaát” első évada befejeződött, akartunk készíteni egy összefoglalót, hogy mi történt az évadban. Kripke elmesélte, hogy egy időben a Triumph egyik slágerét, a Fight the Good Fight című dalt akarták megtenni a sorozat főcímdalának, de nem tetszett a rajongóknak, annyira ráfüggtek a Kansas dalára.
A „Carry On Wayward Son” a '70-es évek egyik legmeghatározóbb rockhimnusza lett, amely nemcsak a Kansas karrierjét mentette meg, hanem örökérvényűvé tette őket a zenei világban. A dal komplexitása, dallamossága és mélyreható szövege generációk számára vált inspirációvá, és továbbra is népszerű a rádiókban és a popkultúrában. Ez a dal emlékeztet minket arra, hogy néha a legnagyobb sikerek a legváratlanabb pillanatokban születnek, és hogy a kitartás és az önmagunkba vetett hit valóban hegyeket mozgathat meg.